DISEÑO COREOGRÁFICO
CONCEPTOS BÁSICOS
COREOGRAFÍA: Viene del griego Grafía (relativo escritura) y Choros = Coreo (relativo a la danza), dando como significado de "Escritura de la Danza". La cual se define como el arte de crear involucrando técnicas de movimientos, lenguaje corporal, espacio, argumento y música. Una coreografía crea un relato específico con la intención de interactuar con el publico creando emociones al espectador, siendo su destino final la exhibición.
La composición de una propuesta coreográfica viene del mundo interno de su creador (el Coreógrafo), que desea traducir mediante movimientos corporales, expresiones faciales, la música y argumento sus experiencias interpersonales subjetivas y que estas sean de orden sensorial, emotivo, psíquico o físico. Este trabajo implica que el coreógrafo debe tener el conocimiento de técnicas del movimiento, lenguaje corporal, composición coreográfica y estructura espacial. La forma de componer una coreografía varía según el tipo de coreógrafo.
Estos son algunos de los tipos de coreógrafos más comunes que existen: esta los que tienen la idea totalmente formada de la coreografía antes de reunirse con los bailarines. Algunos conciben la coreografía guiando la improvisación de los bailarines con la música. Otros arman una estructura general de lo que quieren y después deciden sobre las combinaciones específicas mientras van trabajando con los bailarines (este es el más recomendado, porque se trabaja de acuerdo a las fortalezas y debilidades de los bailarines con respecto a la música). Y están los que escuchan toda la música primero y van creando dejándose llevar por la misma.
DESARROLLO COREOGRÁFICO: Antes de montar una coreografía debemos tener presente la idea coreográfica que no es más que la guía en el proceso de la creación, como delimitar el fin de la composición (el tema, cantidad de bailarines, la música, entre otros). El montaje debe ser coherente con la idea general que se pretende expresar, por ejemplo: si la propuesta es sobre una historia de amor trágica el movimiento la música y las expresiones de los intérpretes deben reflejar.
Para crear una composición coreográfica debemos manejar los siguientes conceptos:
MOVIMIENTO:
Energía: Todas las acciones motrices están ligadas a la energía ya es esta es la que nos permite iniciar, controlar o parar los movimientos o cambios de posición del cuerpo. Teniendo la consciencia de esta energía corporal permite transformar el movimiento, logrando que sea, eficaz, estético y expresivo cuando se mueven distintas partes del cuerpo en el tiempo y espacio.
Forma: Es la imagen que describe un bailarín con su cuerpos o un grupo de bailarines dan forma a una composición involucrando energía del movimiento en un espacio determinado, algunoas formas grupales son: circulo, rombo, triángulo, diamante, entre otros.
TIEMPO:
Se marca estableciendo la velocidad del acento, el pulso y el ritmo.
ESPACIO:
Es de los principales elementos de la danza, junto con el cuerpo. Este se clasifica de la siguiente manera:
Espacio Personal: Es aquel que abarca todo lo que habita desde la piel hacia adentro del propio cuerpo.Teniendo conciencia de que cada persona abarca un espacio en el espacio.
Espacio Parcial: Es aquel que abarca lo que habita de la piel hacia afuera, mientras no nos desplacemos del lugar.
Espacio Total: es aquel que aborda todos los recorridos. incluyendo el espacio personal y el parcial.
Espacio Escénico: Es aquel que surge con el cambio de la miradas, cuando aparece el "ojo espectador".
PARÁMETROS DEL ESPACIO:
Dirección: Es el punto en el espacio hacia donde se dirigen los segmentos corporales, desplazamientos, entre otros las direcciones hacia donde nos podemos mover son 6:
Delante --------------- Señalado por el pecho.
Atrás ------------------ Señalado por la espalda.
Derecha Izquierda -- Señalados por los hombros.
Arriba ----------------- Señalado por la coronilla.
Abajo ----------------- Señalado por los pies.
Dimensiones: Se generan con ayuda de los direcciones y son tres:
Profundidad -------- Delante - Atrás
Ancho --------------- Derecho - Izquierdo
Altura --------------- Arriba . Abajo
Ubicación: Con respecto a la ubicación en el escenario, existen varias maneras en como un bailarín se ubica en el escenario, tomando en cuenta que esta ubicación siempre será en perspectiva del público, es decir, para lo que el público es izquierda para el bailarín será la derecha. A continuación se le mostrará una imagen y luego se explicara cada una de las formas de ubicación en el espacio del escenario.
FORMA Nº 1: La Ubicación por Cuadrantes: Dividimos imaginariamente el escenario en 9 cuadrados iguales, de izquierda a derecha siempre desde el punto de vista del público. Esta es la manera más fácil de ubicación en el escenario.
FORMA Nº 2: Ubicación horizontal: De acuerdo como lo ve el publico:
La parte de adelante se llama "Abajo"
La parte del medio se llama " Centro"
La parte de atrás se llama " Arriba"
FORMA Nº 3: Ubicación por coordenadas: es igual que por cuadrantes, solo que se combinan los nombres de cada parte del escenario ejemplo:
Arriba- izquierdo / Abajo- Centro / Centro - Derecho/ Centro- Centro ...
FORMA Nº 4: Utilizando sus nombres formales:
Proscenio: Es el pedazo de escenario que sobresale del telón principal, es más cerca del público.
Centro: Es la región central media, va desde unos metros después del telón principal hasta varios metros antes del foro.
Foro: Es la zona donde se encuentra el telón de fondo.
Lateral Derecho: Siempre es el derecho de la ubicación del público.
Lateral Izquierdo: Siempre es el Izquierdo de la ubicación del público.
Orientación: Es el frente a donde se orientan los bailarines con sus puerpos, guiandose por el frente de sus caderas, la figura se puede orientar de acuerdo a un cuadro imaginario que rodea al bailarín.
Monologas: Es ejecutada por una sola persona en el escenario, esta puede ser por la propia autoria del bailarin o el interprete de un coreógrafo.
Grupal: Se construyen por un coreógrafo que corrige los movimientos, una coreografía grupal se compone de 6 integrantes en adelante, estas basadas en un personaje principal.
TIPOS DE BAILARINES:
Participe: Es aquella persona capaz de hacer, porque por conocimiento maneja la disciplina y puede llegar a desarrollar exactamente lo que el coreógrafo le exige.
Interprete: Es aquel que base a sus conocimientos puede entender no solo en movimiento, no solo el paso, sino que entiende lo que quiere proyectar con él, a donde debe llegar su participación, donde se requiere mas fuerza, donde se desea mas o menos expresión.
La Universidad de las Américas define al interprete como: " El que posee las herramientas que le permite insertarse en el medio profesional como artista escénico capaz de interpretar, crear y producir sus propias obras".
Bailador: Es la persona que viene del mundo del baile local, citadino, casera, nocturno, discotequero, que aprende por convicción propia de satisfacer una necesidad de disfrute.
Bailarín: Es aquel que aprende a bailar de una manera mas formal, estudiando, el que ingreso al mundo danzario buscando algo mas que el disfrute, preparando no solo pasos, si no con pensamiento critico analitico sobre las disciplinas danzarias, ese que invirtió años de estudio para conocer que no es solo cuestion de paso, también es una área de tópico teórico, estructura, formas, modales, historia, normas y hábitos de vida.
DESARROLLO COREOGRÁFICO: Antes de montar una coreografía debemos tener presente la idea coreográfica que no es más que la guía en el proceso de la creación, como delimitar el fin de la composición (el tema, cantidad de bailarines, la música, entre otros). El montaje debe ser coherente con la idea general que se pretende expresar, por ejemplo: si la propuesta es sobre una historia de amor trágica el movimiento la música y las expresiones de los intérpretes deben reflejar.
Para crear una composición coreográfica debemos manejar los siguientes conceptos:
MOVIMIENTO:
Energía: Todas las acciones motrices están ligadas a la energía ya es esta es la que nos permite iniciar, controlar o parar los movimientos o cambios de posición del cuerpo. Teniendo la consciencia de esta energía corporal permite transformar el movimiento, logrando que sea, eficaz, estético y expresivo cuando se mueven distintas partes del cuerpo en el tiempo y espacio.
Forma: Es la imagen que describe un bailarín con su cuerpos o un grupo de bailarines dan forma a una composición involucrando energía del movimiento en un espacio determinado, algunoas formas grupales son: circulo, rombo, triángulo, diamante, entre otros.
TIEMPO:
Se marca estableciendo la velocidad del acento, el pulso y el ritmo.
ESPACIO:
Es de los principales elementos de la danza, junto con el cuerpo. Este se clasifica de la siguiente manera:
Espacio Personal: Es aquel que abarca todo lo que habita desde la piel hacia adentro del propio cuerpo.Teniendo conciencia de que cada persona abarca un espacio en el espacio.
Espacio Parcial: Es aquel que abarca lo que habita de la piel hacia afuera, mientras no nos desplacemos del lugar.
Espacio Total: es aquel que aborda todos los recorridos. incluyendo el espacio personal y el parcial.
Espacio Escénico: Es aquel que surge con el cambio de la miradas, cuando aparece el "ojo espectador".
PARÁMETROS DEL ESPACIO:
Dirección: Es el punto en el espacio hacia donde se dirigen los segmentos corporales, desplazamientos, entre otros las direcciones hacia donde nos podemos mover son 6:
Delante --------------- Señalado por el pecho.
Atrás ------------------ Señalado por la espalda.
Derecha Izquierda -- Señalados por los hombros.
Arriba ----------------- Señalado por la coronilla.
Abajo ----------------- Señalado por los pies.
Dimensiones: Se generan con ayuda de los direcciones y son tres:
Profundidad -------- Delante - Atrás
Ancho --------------- Derecho - Izquierdo
Altura --------------- Arriba . Abajo
Ubicación: Con respecto a la ubicación en el escenario, existen varias maneras en como un bailarín se ubica en el escenario, tomando en cuenta que esta ubicación siempre será en perspectiva del público, es decir, para lo que el público es izquierda para el bailarín será la derecha. A continuación se le mostrará una imagen y luego se explicara cada una de las formas de ubicación en el espacio del escenario.
FORMA Nº 1: La Ubicación por Cuadrantes: Dividimos imaginariamente el escenario en 9 cuadrados iguales, de izquierda a derecha siempre desde el punto de vista del público. Esta es la manera más fácil de ubicación en el escenario.
FORMA Nº 2: Ubicación horizontal: De acuerdo como lo ve el publico:
La parte de adelante se llama "Abajo"
La parte del medio se llama " Centro"
La parte de atrás se llama " Arriba"
FORMA Nº 3: Ubicación por coordenadas: es igual que por cuadrantes, solo que se combinan los nombres de cada parte del escenario ejemplo:
Arriba- izquierdo / Abajo- Centro / Centro - Derecho/ Centro- Centro ...
FORMA Nº 4: Utilizando sus nombres formales:
Proscenio: Es el pedazo de escenario que sobresale del telón principal, es más cerca del público.
Centro: Es la región central media, va desde unos metros después del telón principal hasta varios metros antes del foro.
Foro: Es la zona donde se encuentra el telón de fondo.
Lateral Derecho: Siempre es el derecho de la ubicación del público.
Lateral Izquierdo: Siempre es el Izquierdo de la ubicación del público.
Orientación: Es el frente a donde se orientan los bailarines con sus puerpos, guiandose por el frente de sus caderas, la figura se puede orientar de acuerdo a un cuadro imaginario que rodea al bailarín.
Tamaño: Se utiliza para definir la amplitud del movimiento o de la figura en el espacio.
Foco: Es el punto donde todos los bailarines deben mirar para que exista una armonía en la coreografía, por lo general este foco simpre sera el público.
Trayectoria: Son las líneas descritas por cualquier parte del cuerpo en el escenario, así como las trayectorias que forman los cuerpos en movimientos uno con respecto del otro.
Niveles espaciales: Estos se clasifican como:
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| Movimientos Bajos: Son aquellos que se realizan en el suelo, acostarse, arrastrarse, de rodillas, entre otros. |
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| Movimientos Medios: Son los que se realizan plantando los pies en el suelo. |
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| Movimientos Altos: Son aquellos donde el bailarín despega los pies totalmente del suelo, como saltos y acrobacias, básicamente son los movimientos que se hacen en el aire. |
ELEMENTOS DEL DISEÑO COREOGRÁFICO:
Desplazamientos: Sirven para entrar y salir del escenario y para concretar formas. Estos deben ser claros en su desarrollo. Las líneas como desplazamientos o recorridos Diagonales, Horizontales y Verticales. Las líneas más dinámicas son las Diagonales, en especial las que se acercan al proscenio, por recorrer todo el espacio. Posteriormente en fuerza le sigue las que van del foro hacia el frente y las menos dinámicas son las horizontales.
Formaciones: Es el diseño grupal, es una parte fundamental en la producción coreográfica según se agrupen los bailarines en el espacio escénico, este produce determinados efectos en el espectador. Estas pueden ser, en forma de letras las mas comunes, A, V, W, M, X, H, U formas geométricas.
TIPOS DE COREOGRAFÍAS:
PRINCIPALES:
Monologas: Es ejecutada por una sola persona en el escenario, esta puede ser por la propia autoria del bailarin o el interprete de un coreógrafo.
Grupal: Se construyen por un coreógrafo que corrige los movimientos, una coreografía grupal se compone de 6 integrantes en adelante, estas basadas en un personaje principal.
SEGUNDARIAS:
Expresivas: Se basan en expresión de emociones, por lo general estas son coreografías que relatan una historia especifica.
Distributiva: Se marca por una división mientras los que atrás bailan el principal hace otra cosa pero vuelve a reunir con ellos en un paso específico, por lo general es que usan los cantantes en su performance de baile.
Principal: El bailarín va hacia el principal pero también dirigida hacia los otros bailarines, esto se refleja en el ballet como "El Cascanueces" o "El Lago de los Cisnes".
Folklorico: Bailes culturales autóctonos de los pueblos de una región.
Simétricas: Las cuales los cuerpos siguen una sincronización entre dos parte del cuerpo o espacio.
Asimétrico: Es aquella en la que sus movimientos se realizan teniendo en cuenta la simetría para el desequilibrio.
TIPOS DE BAILARINES:
Participe: Es aquella persona capaz de hacer, porque por conocimiento maneja la disciplina y puede llegar a desarrollar exactamente lo que el coreógrafo le exige.
Interprete: Es aquel que base a sus conocimientos puede entender no solo en movimiento, no solo el paso, sino que entiende lo que quiere proyectar con él, a donde debe llegar su participación, donde se requiere mas fuerza, donde se desea mas o menos expresión.
La Universidad de las Américas define al interprete como: " El que posee las herramientas que le permite insertarse en el medio profesional como artista escénico capaz de interpretar, crear y producir sus propias obras".
Bailador: Es la persona que viene del mundo del baile local, citadino, casera, nocturno, discotequero, que aprende por convicción propia de satisfacer una necesidad de disfrute.
Bailarín: Es aquel que aprende a bailar de una manera mas formal, estudiando, el que ingreso al mundo danzario buscando algo mas que el disfrute, preparando no solo pasos, si no con pensamiento critico analitico sobre las disciplinas danzarias, ese que invirtió años de estudio para conocer que no es solo cuestion de paso, también es una área de tópico teórico, estructura, formas, modales, historia, normas y hábitos de vida.
BAILANDO TRANSFORMAMOS EL MUNDO.
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